viernes, 6 de abril de 2012

Arte Abstracto

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.
En la pintura abstracta, la
obra de arte se convierte en una realidad autónoma, dotado de sus propias significados, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias
fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

 En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad mucho más que los más radicales provocadores, y es que no tenía referentes históricos, era algo totalmente nuevo. Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.
Vale recordar que esa cierta distancia que la abstracción tiene de la realidad no es una regla; ella muchas veces puede ser casi imperceptible, ligera o completa. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Una de sus obras: Composición VIII,


Se considera al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como el creador de la abstracción. En 1909 cuando formaba parte del grupo expresionista alemán Der blaue Reiter (El Jinete Azul), había pintado sus Improvisaciones, para expresar por medio del color sus sentimientos y emociones, a la manera de composiciones musicales. Al ver una de ellas al revés, le impactó su belleza y surgió su primera acuarela abstracta en 1910 (Sin título).
Kandinsky expuso sus ideas en De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, donde sostiene que todo arte auténtico es la expresión exterior de una «necesidad interior» mediante composiciones de colores y líneas. En sus telas buscaba lo esencial, sin preocuparse del tema.
Regresó a Rusia en 1914 y al estallar la Revolución de 1917 colaboró con el nuevo régimen en el intento de renovación del arte. Pero tras enfrentarse a los constructivistas, regresó a Alemania en 1921, donde fue profesor en la Bauhaus. En esta etapa publica su libro Punto y línea sobre el plano y la geometrización impregna su obra (Composición VIII). En 1933 al clausurar el nazismo la escuela, marchará a París donde vivió hasta su muerte.
James McNeill Whistler: (10 julio 1834 hasta 17 julio 1903) era un americano de origen, con sede en Londres artista. Aversión al sentimentalismo y la alusión moral, en la pintura, era un destacado defensor del credo "arte por el arte". Su firma famosa por sus pinturas fue en la forma de una mariposa estilizada que posee un aguijón largo de una cola. El símbolo era apto, ya que combina los dos aspectos de su personalidad-su arte se caracteriza por una sutil delicadeza, mientras que su persona pública era combativa. Encontrar un paralelismo entre la pintura y la música, de Whistler titulado muchas de sus pinturas "arreglos", "armonías", y "nocturnos", haciendo hincapié en la primacía de la armonía tonal.  Su pintura más famosa es la madre de la marmota (1871), el venerado ya menudo parodiado retrato de la maternidad. Whistler influido en el mundo del arte y la cultura más amplia de su tiempo con sus teorías artísticas y sus amistades con los principales artistas y escritores.
Nocturne in Black and gold:




Podemos decir que la primera obra considerada abstracta fue Nocturne in Black and Gold, donde dio gran énfasis a la sensación visual y no a la representación de objetos.

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