martes, 24 de abril de 2012
CONCLUSIÓN
Desde mi punto de vista, este trabajo fue productivo porque aprendi muchisimo sobre las vanguardias, las corrientes artísticas, los autores representativos de cada una, algunas obras, los colores, lineas, fondo, planos, etc. Además me gustó porque comprendi aquellas películas, chistes, textos que estaban relacionadas a las entradas anteriores. Pude comprender también lo que quieren expresar los autores con las obras figurativas y subjetivas.
lunes, 23 de abril de 2012
Neoexpresionismo
Es el
primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia,
asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y
ridiculizan.
En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.
Su temática abarca numerosos motivos que van desde la representación del héroe, mitologías nacionales e individuales hasta símbolos de poder de todo tipo. A pesar de ser figurativos no pretenden realizar una reproducción fidedigna de la realidad. Sus figuras son esquemáticas y tratan de seleccionar los rasgos más expresivos.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", mediante el grueso empastado de las pinturas al óleo, principalmente. Mezclan arenas, yeso y paja con la pintura.
Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.
Su logro
más famoso es el Café Deutschland
serie, iniciada en 1977 y continuó hasta los años ochenta.
Su discoteca imaginario se encuentra en la frontera este-oeste, una organización independiente
territorio en el teatro burlesco de la política a la guerra fría,
identidad nacional, y la batalla del legado artístico se juega
noche tras noche en todos sus subterfugios y el drama. Este
serie de trabajo tiene su arquitectura inicial de Renato
Guttoso del Café Greco, pero en la pintura después de
pintura cambia el "ángulo de la cámara, el mobiliario es
reorganizado, y la acción se refleja en la perspectiva retorcida
del espectador no tan inocentes.
En este Café a partir de 1984, Immendorff ya ha predicho
la reunificación alemana. A la izquierda del lienzo de Brandenburgo
Puerta, con sus cuatro caballos apocalípticos, cae a través de la
bar tomando con él la capa de hielo cubriendo el país.
A la derecha, un impotente, a largo enterrado Hitler mira hacia el
futuro desde una perspectiva borrachín, al tiempo que se llevó por
garras venenosas. Como de costumbre, el artista observa el
escena se despliegan desde su mesa de ringside cómodo.
En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.
Su temática abarca numerosos motivos que van desde la representación del héroe, mitologías nacionales e individuales hasta símbolos de poder de todo tipo. A pesar de ser figurativos no pretenden realizar una reproducción fidedigna de la realidad. Sus figuras son esquemáticas y tratan de seleccionar los rasgos más expresivos.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", mediante el grueso empastado de las pinturas al óleo, principalmente. Mezclan arenas, yeso y paja con la pintura.
Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.
El pintor Jörg Immendorff es uno de los
artistas alemanes contemporáneos de mayor renombre y uno de los más
comprometidos políticamente. Ya de joven y animado por su maestro Joseph Beuys,
Immendorff comienza a inmiscuirse desde mediados de los años sesenta en el
acontecer político de la
República Federal Alemana (RFA).
serie, iniciada en 1977 y continuó hasta los años ochenta.
Su discoteca imaginario se encuentra en la frontera este-oeste, una organización independiente
territorio en el teatro burlesco de la política a la guerra fría,
identidad nacional, y la batalla del legado artístico se juega
noche tras noche en todos sus subterfugios y el drama. Este
serie de trabajo tiene su arquitectura inicial de Renato
Guttoso del Café Greco, pero en la pintura después de
pintura cambia el "ángulo de la cámara, el mobiliario es
reorganizado, y la acción se refleja en la perspectiva retorcida
del espectador no tan inocentes.
En este Café a partir de 1984, Immendorff ya ha predicho
la reunificación alemana. A la izquierda del lienzo de Brandenburgo
Puerta, con sus cuatro caballos apocalípticos, cae a través de la
bar tomando con él la capa de hielo cubriendo el país.
A la derecha, un impotente, a largo enterrado Hitler mira hacia el
futuro desde una perspectiva borrachín, al tiempo que se llevó por
garras venenosas. Como de costumbre, el artista observa el
escena se despliegan desde su mesa de ringside cómodo.
viernes, 6 de abril de 2012
Hiperrealismo
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el hiperrealismo que es menos radical.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes.
Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En la década de los 1920, los pintores trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas. Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
No hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.
Otras características del hiperrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el hiperrealismo del realismo tradicional.
Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales. En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.
Close, Fanny
(fingerpainting) 1985:
Es tal el realismo de las pinturas, que en un primer momento crees
estar ante fotografías de más de dos metros. Tienes que acercarte muchísimo a
ellas para darte cuenta de que no lo son. He de decir también que empeoran
bastante al verlas en tamaño reducido, y no entiendo muy bien por qué como
fotógrafo realiza principalmente fotografías en blanco y negro de primeros
planos del rostro, al igual que en sus cuadros, Para realizar sus increíbles
retratos coloca una malla sobre la foto y el lienzo. Sobre la malla realiza una
cuadrícula y va pintando recuadro a recuadro, utiliza un pulverizador con
pintura muy diluida, y en algunas ocasiones sus dedos.
Pop Art
El arte pop es un movimiento artístico que
surgió a mediados de 1950 en Gran
Bretaña y en la década de 1950
en los Estados Unidos. El término
``'' Arte Pop fue utilizado por primera vez por el crítico Lawrence Alloway Inglés en una edición
de 1958 de Architectural Digest para
describir esas pinturas que
celebran después de la guerra el
consumismo, el desafiar a la
psicología del expresionismo abstracto, y adorar al dios del materialismo. El arte pop presenta un desafío a
las tradiciones de las bellas artes mediante la inclusión de las imágenes de la cultura popular como la publicidad,
noticias, etc . En el arte pop, el material visual es a veces fuera de su entorno conocido, aisladas, y / o en combinación con material no relacionado.
El concepto de arte pop se refiere no tanto al arte
en sí mismo en cuanto a las actitudes
que llevaron a la misma.
El arte pop emplea los aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y objetos cotidianos culturales. El arte pop tiene como objetivo emplear imágenes populares, a través del uso de la ironía.
También se asocia con el uso de técnicas de reproducción o de la prestación.
El arte pop y el minimalismo son considerados como los movimientos artísticos que preceden el arte postmoderno, o son algunos de los primeros ejemplos del arte postmoderno sí mismos.
El arte pop toma a menudo como su imaginación lo que está actualmente en uso en la publicidad. [5] El etiquetado de productos y logotipos de ocupar un lugar destacado en las imágenes elegidas por artistas pop.
Latas de Sopa Campbell de la etiquetas, de Andy Warhol. Incluso el etiquetado de la caja de envío contiene artículos al por menor se ha utilizado como materia en el arte pop, por ejemplo, en Campbell de Warhol Caja de Jugo de
Tomate 1964, (foto de abajo), o de sus esculturas de caja de jabón Brillo
Andy Warhol, Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los 50 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.
Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.
Campbell's Tomato Juice Box, 1964, El personaje más mediático y conocido de los artistas pop comenzó realizando trabajos publicitarios, aunque pronto con sus series sobre imágenes de objetos de consumo -Coca-Cola, sopas Campbell- , imágenes de iconos del cine o la vida social -Marilyn Monroe, Elvis Presley o Jaqueline Kennedy-; así como imágenes que describían tumultos raciales o accidentes, le hicieron destacar en esta corriente artística. Después vino la trascendencia mediática que le catapultó hasta llegar a ser un icono más, tan famoso desde el punto de vista sociológico como artístico.
El arte pop emplea los aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y objetos cotidianos culturales. El arte pop tiene como objetivo emplear imágenes populares, a través del uso de la ironía.
También se asocia con el uso de técnicas de reproducción o de la prestación.
El arte pop y el minimalismo son considerados como los movimientos artísticos que preceden el arte postmoderno, o son algunos de los primeros ejemplos del arte postmoderno sí mismos.
El arte pop toma a menudo como su imaginación lo que está actualmente en uso en la publicidad. [5] El etiquetado de productos y logotipos de ocupar un lugar destacado en las imágenes elegidas por artistas pop.
Latas de Sopa Campbell de la etiquetas, de Andy Warhol. Incluso el etiquetado de la caja de envío contiene artículos al por menor se ha utilizado como materia en el arte pop, por ejemplo, en Campbell de Warhol Caja de Jugo de
Tomate 1964, (foto de abajo), o de sus esculturas de caja de jabón Brillo
Andy Warhol, Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los 50 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.
Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.
Campbell's Tomato Juice Box, 1964, El personaje más mediático y conocido de los artistas pop comenzó realizando trabajos publicitarios, aunque pronto con sus series sobre imágenes de objetos de consumo -Coca-Cola, sopas Campbell- , imágenes de iconos del cine o la vida social -Marilyn Monroe, Elvis Presley o Jaqueline Kennedy-; así como imágenes que describían tumultos raciales o accidentes, le hicieron destacar en esta corriente artística. Después vino la trascendencia mediática que le catapultó hasta llegar a ser un icono más, tan famoso desde el punto de vista sociológico como artístico.
Arte óptico
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.
Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación
Los principales iniciadores de esta tendencia fueron: Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.
Posteriormente han destacado otros artistas como: Yaacov Agam (Israel, 1928) , Carlos Cruz-Diez (Venezuela, 1923), Piero Dorazio (Italia, 1927 - 2005), Julio Le Parc (Argentina, 1928), Youri Messen-Jaschin (Suiza, 1941), Omar Rayo (Colombia, 1928 - 2010), Bridget Riley (Inglaterra, 1931), Eusebio Sempere (España, 1923 -1985), Jesús Soto (Venezuela, 1923 -2005).
Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.
"Arte Óptico autorreferente 005W":La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.
Subrrealismo
Surrealismo comenzó en el siglo XV y XVI, pero su momento cúlmine fue en siglo XX, no solo afecto en lo artístico sino también en lo filosófico. La segunda guerra mundial tuvo un papel muy importante ya que muchos otros artistas, debieron marchase a los EE. UU. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses.
Los artistas de ésta época plasmaban en sus obras el subconsciente, lo que está mas allá de la razón, escenas extraordinarias en medio de un fondo vacío. Lo que querían representar era sus emociones, pero desde un razonamiento no lógico. Varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración.El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al ensamblaje de objetos incongruentes. Se utilizó el frottage, dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo.
Algunos de los artistas más conocidos son:
Salvador Dali:
Genial artista catalán, uno de los máximos exponentes del surrealismo que desarrolló en multitud de facetas: pintura, grabado, orfebrería y decoración. Como buen “catalán universal” difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal.
Su obra se ha relacionado con frecuencia con el subconsciente y el psicoanálisis ya que acostumbraba a plasmar en ella sus obsesiones.
Genial artista catalán, uno de los máximos exponentes del surrealismo que desarrolló en multitud de facetas: pintura, grabado, orfebrería y decoración. Como buen “catalán universal” difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal.
Su obra se ha relacionado con frecuencia con el subconsciente y el psicoanálisis ya que acostumbraba a plasmar en ella sus obsesiones.
La persistencia de la memoria
Pero llegó más allá, hay otro reloj en el cuadro. Uno de mano de los que ya no necesitamos porque la hora la llevamos en el teléfono móvil. Y está cerrado, y una reunión de hormigas se reparten el espacio que esperamos que ocupen las manecillas y los números. No, este reloj no es para marcar la hora, es un reloj de lo pequeño, de lo muy pequeño, un reloj cuántico en el que el tic tac habitual ha sido sustituido por los traqueteos de las patas de las hormigas sobre el metal: seis patas por hormiga, seis segundos, entonces, a la vez, múltiples posibilidades en una sola tirada. Y ahí andan, en efecto, los físicos cuánticos intentando comprender cómo es posible que un electrón esté en dos sitios al mismo tiempo o se cuele por varios agujeros simultáneamente. Y no encontrarán la respuesta, de ningún modo, hasta que se tomen el día libre y se den una vuelta por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se encuentra expuesta La persistencia de la memoria, como un catecismo mudo de la modernidad, callado, a la espera de que las grandes mentes se detengan a comprenderlo.
Los dos tiempos, las dos clases de tiempo, el de lo muy grande y el de lo muy pequeño, en un mismo cuadro. Y constituyendo un tiempo único, personalísimo, hasta el punto de que el título del cuadro no alude el propio tiempo, sino al que nos importa a cada uno: el de la memoria. Un tiempo sentimental, por lo tanto, y desgastado, y comestible, y emocionado.
Vertumnus
Dadaísmo
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.[][]
Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta.
Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar una y llamarla correcta.
Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.[]
El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una
ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
En Nueva York se encontraban artistas tan importantes del movimiento como Marcel Duchamp, Francis Picabia o Man Ray.
Duchamp destacó por coger elementos fabricados en serie y presentarlos como sus obras, así en la Exposición del Salón de los Independientes expuso un urinario al que tituló “Fuente“.
Fuente es la obra más conocida del artista francés Marcel Duchamp. Pertenece al estilo dadá dentro de las vanguardias experimentales de principios del x.XX. Fue creada en el 1917.La obra consiste en un simple urinario masculino, de color blanco y con una inscripción en tinta negra corrida en la parte inferior derecha delantera.
El estilo dadá consiste en elevar a arte objetos ajenos al arte, estas obras son llamadas ready-mades. Esta práctica fue inventada con la intención de crear el "antiarte", rebelándose así en contra de las formas artísticas tradicionales. La Fuente fue la primera obra conceptual de la hª.
El original de la obra se perdió, y a mediados del s.XX, Duchamp realizó varias versiones más que actualmente se encuentran repartidas en varios museos. Recientemente, una de las versiones fue martilleada por un visitante del Centro Georges Pompidou de París durante el trancurso de la exposición sobre dadá que realizó el museo el pasado verano.
La Fuente fue elegida la obra más influyente del s.XX, por delante de Las Señoritas de Avíñón de Picasso (foto), o Marilyn de Warhol (foto).
Man Ray, por su parte, destacó por su trabajo fotográfico en el que experimentó con todas las posibilidades técnicas para crear nuevas formas, así bautizó a estas obras con su propio nombre, “rayografías”.
The Misunderstood (1938). Man Ray Estate
El movimiento alemán fue muy activo tanto en el campo intelectual como en el plástico. Precisamente fue allí donde se inventó el “fotomontaje” la idea partía de la necesidad de un cambio radical en el arte para que no se perdiera la relación con la sociedad de la época, cosa que no habían conseguido, según ellos, ninguno de los movimientos modernos.
Hausmann se atribuye a sí mismo su invención en 1918 pero lo cierto es que Heartfield ya en 1914 utilizó esta técnica para burlar la censura en el frente bélico mediante postales compuestas de recortes de periódicos y revistas. En cualquier caso la importancia está en la invención de una nueva técnica artística.
ABCD (Self-portrait) A photomontage from 1923–24
Pero fue Max Ernst el que llevó al fotomontaje a su máximo esplendor combinando los principios dadaístas con la metafísica de De Chirico.
Picabia, Aragon o Breton entre otros, formaron en 1917 el grupo Dadá de París pero fue en 1919 con la llegada de Tzara a la capital cuando comenzaron a desarrollarse las actividades. Lo que querían reflejar era el disgusto y la desesperación que había traído la guerra y la posguerra. El movimiento duró poco tiempo pero cabe destacar la Gioconda a la que Duchamp incluyó unos bigotes.
Arte Abstracto
El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, dotado de sus propias significados, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad mucho más que los más radicales provocadores, y es que no tenía referentes históricos, era algo totalmente nuevo. Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.
Vale recordar que esa cierta distancia que la abstracción tiene de la realidad no es una regla; ella muchas veces puede ser casi imperceptible, ligera o completa. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.
Se considera al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como el creador de la abstracción. En 1909 cuando formaba parte del grupo expresionista alemán Der blaue Reiter (El Jinete Azul), había pintado sus Improvisaciones, para expresar por medio del color sus sentimientos y emociones, a la manera de composiciones musicales. Al ver una de ellas al revés, le impactó su belleza y surgió su primera acuarela abstracta en 1910 (Sin título).
Kandinsky expuso sus ideas en De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, donde sostiene que todo arte auténtico es la expresión exterior de una «necesidad interior» mediante composiciones de colores y líneas. En sus telas buscaba lo esencial, sin preocuparse del tema.
Regresó a Rusia en 1914 y al estallar la Revolución de 1917 colaboró con el nuevo régimen en el intento de renovación del arte. Pero tras enfrentarse a los constructivistas, regresó a Alemania en 1921, donde fue profesor en la Bauhaus. En esta etapa publica su libro Punto y línea sobre el plano y la geometrización impregna su obra (Composición VIII). En 1933 al clausurar el nazismo la escuela, marchará a París donde vivió hasta su muerte.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, dotado de sus propias significados, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad mucho más que los más radicales provocadores, y es que no tenía referentes históricos, era algo totalmente nuevo. Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.
Vale recordar que esa cierta distancia que la abstracción tiene de la realidad no es una regla; ella muchas veces puede ser casi imperceptible, ligera o completa
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Una de sus obras: Composición VIII,
Se considera al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como el creador de la abstracción. En 1909 cuando formaba parte del grupo expresionista alemán Der blaue Reiter (El Jinete Azul), había pintado sus Improvisaciones, para expresar por medio del color sus sentimientos y emociones, a la manera de composiciones musicales. Al ver una de ellas al revés, le impactó su belleza y surgió su primera acuarela abstracta en 1910 (Sin título).
Kandinsky expuso sus ideas en De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, donde sostiene que todo arte auténtico es la expresión exterior de una «necesidad interior» mediante composiciones de colores y líneas. En sus telas buscaba lo esencial, sin preocuparse del tema.
Regresó a Rusia en 1914 y al estallar la Revolución de 1917 colaboró con el nuevo régimen en el intento de renovación del arte. Pero tras enfrentarse a los constructivistas, regresó a Alemania en 1921, donde fue profesor en la Bauhaus. En esta etapa publica su libro Punto y línea sobre el plano y la geometrización impregna su obra (Composición VIII). En 1933 al clausurar el nazismo la escuela, marchará a París donde vivió hasta su muerte.
James McNeill Whistler: (10 julio 1834 hasta 17 julio 1903) era un americano de origen, con sede en Londres artista. Aversión al sentimentalismo y la alusión moral, en la pintura, era un destacado defensor del credo "arte por el arte". Su firma famosa por sus pinturas fue en la forma de una mariposa estilizada que posee un aguijón largo de una cola. El símbolo era apto, ya que combina los dos aspectos de su personalidad-su arte se caracteriza por una sutil delicadeza, mientras que su persona pública era combativa. Encontrar un paralelismo entre la pintura y la música, de Whistler titulado muchas de sus pinturas "arreglos", "armonías", y "nocturnos", haciendo hincapié en la primacía de la armonía tonal. Su pintura más famosa es la madre de la marmota (1871), el venerado ya menudo parodiado retrato de la maternidad. Whistler influido en el mundo del arte y la cultura más amplia de su tiempo con sus teorías artísticas y sus amistades con los principales artistas y escritores.
Nocturne in Black and gold:
Podemos decir que la primera obra considerada abstracta fue Nocturne in Black and Gold, donde dio gran énfasis a la sensación visual y no a la representación de objetos.
Futurismo
Esta corriente artística fue influenciada por la Patafísica de Alfed Jarry y Remy de Gourmont y por procedimientos literarios que corompieron con lo tradicional.El término futurismo fue instaurado el 20 de Febrero de 1909 con una publicación en el diario La Figaro de Paris, escrito por Marinetti.
Intentando crear algo nuevo, acorde a las nuevas necesidades y a la nueva época, surgió el futurismo. Trata de expresar la guerra, la energía, la deshumanización, la violencia y el peligro.Los artistas quieren representar el movimiento y la fuerza interma de las cosas. Pintaban perros, caballos o figuras humanas con varias cabezas.
Realizaban vibrantes composiciones de colores, las cuales suponían producir una sensación de espacio, tiempo y sonido. Se utilizaba la técnica divicionista la cual consiste en hacer una serie en la zona de la obra donde se quiera representar el movimiento. Además se plasmaban las línesa con fuerza e in tencidad y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Algunos de los artistas mas epresentaativos son:
Intentando crear algo nuevo, acorde a las nuevas necesidades y a la nueva época, surgió el futurismo. Trata de expresar la guerra, la energía, la deshumanización, la violencia y el peligro.Los artistas quieren representar el movimiento y la fuerza interma de las cosas. Pintaban perros, caballos o figuras humanas con varias cabezas.
Realizaban vibrantes composiciones de colores, las cuales suponían producir una sensación de espacio, tiempo y sonido. Se utilizaba la técnica divicionista la cual consiste en hacer una serie en la zona de la obra donde se quiera representar el movimiento. Además se plasmaban las línesa con fuerza e in tencidad y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Algunos de los artistas mas epresentaativos son:
Luigi Russolo
Piano Player
Carlos Carrá:.Carrà nació en Quargnento, cerca de Alessandria (Piamonte). A la edad de 12 años se fue de casa para trabajar como decorador mural.
En 1899-1900, Carrà era en los pabellones de París de decoración en la Exposición Universal, donde se familiarizó con el arte francés contemporáneo. A continuación, pasó unos meses en Londres, en contacto con exiliados anarquistas italianos, y regresó a Milán en 1901. En 1906, se matriculó en la Academia de Brera (Accademia di Brera) en la ciudad, y estudió con Cesare Tallone. En 1910 firmó, junto con Umberto Boccioni, Russolo y Luigi Filippo Tommaso Marinetti el Manifiesto de los pintores futuristas, y comenzó una fase de la pintura que se convirtió en la mayor parte de su popular e influyente.
En 1899-1900, Carrà era en los pabellones de París de decoración en la Exposición Universal, donde se familiarizó con el arte francés contemporáneo. A continuación, pasó unos meses en Londres, en contacto con exiliados anarquistas italianos, y regresó a Milán en 1901. En 1906, se matriculó en la Academia de Brera (Accademia di Brera) en la ciudad, y estudió con Cesare Tallone. En 1910 firmó, junto con Umberto Boccioni, Russolo y Luigi Filippo Tommaso Marinetti el Manifiesto de los pintores futuristas, y comenzó una fase de la pintura que se convirtió en la mayor parte de su popular e influyente.
Funeral for the Anarchist Galli
Sus obras, sin dejar de utilizar algunos conceptos futuristas, comenzaron a tratar de forma más clara con la forma y la quietud, en lugar de movimiento y sensación. Carrà pronto comenzó la creación de naturalezas muertas en un estilo que él, junto con Giorgio de Chirico, llamada "pintura metafísica". A lo largo de los años 1920 y 1930, la fase metafísica dio paso a un estilo sombrío similar a la de Masaccio. Un ejemplo de este periodo es el 1928 por la mañana por el mar.
Él es mejor conocido por su trabajo futurista de 1911, el funeral del anarquista Galli. Carrà era de hecho un anarquista como un hombre joven, pero, junto con muchos otros futuristas, más tarde tenían opiniones políticas más reaccionarias, llegando a ser ultra-nacionalista e irredentistas antes y durante la guerra, al igual que el fascismo después de 1918 (en la década de 1930, Carrà firmado un manifiesto en el que pidió el apoyo de la ideología del Estado a través del arte). el grupo se unió a Strapaese, fundada por Giorgio Morandi, estuvo fuertemente influenciado por el fascismo y respondió a las directrices neo-clásicos que habían sido establecidos por el régimen después de 1937 (pero se oponía a la unidad ideológica hacia el centralismo fuerte). Murió en Milán en 1966.
Él es mejor conocido por su trabajo futurista de 1911, el funeral del anarquista Galli. Carrà era de hecho un anarquista como un hombre joven, pero, junto con muchos otros futuristas, más tarde tenían opiniones políticas más reaccionarias, llegando a ser ultra-nacionalista e irredentistas antes y durante la guerra, al igual que el fascismo después de 1918 (en la década de 1930, Carrà firmado un manifiesto en el que pidió el apoyo de la ideología del Estado a través del arte). el grupo se unió a Strapaese, fundada por Giorgio Morandi, estuvo fuertemente influenciado por el fascismo y respondió a las directrices neo-clásicos que habían sido establecidos por el régimen después de 1937 (pero se oponía a la unidad ideológica hacia el centralismo fuerte). Murió en Milán en 1966.
Cubismo
El cubismo comenzó a principios del siglo XX, fue desarrollado entre 1907 y 1914. Todo comenzó con el famos cuadro de Pablo Picasso "Las Señoritas de Avignon" en Frencia, la ciudad de Paris.
Los artistas de esta época son
Pablo Picasso: considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).
Las Señoritas de Avignon
Las señoritas de Avignon o Las señoritas de Aviñón es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Época Negra, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.
Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.
Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.
Juan Gris
(José Victoriano González; Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, Francia, 1927) Pintor español. Fue el máximo representante del cubismo sintético. Cursó estudios en la Universidad de Madrid, pero pronto se consagró a la pintura. Sus composiciones están dotadas de gran armonía gracias a una rigurosa metodología en la estructuración de las formas. Se desvinculó de la estética cubista de Braque y de Picasso, coloreando y sombreando objetos puntuales, con lo cual consiguió un ritmo visual elegante y personal. Se trasladó a París en 1906 y se instaló en el Bateau-Lavoir, donde fue vecino de Picasso. Pintó sus primeras acuarelas al mismo tiempo que publicaba ilustraciones humorísticas en distintas revistas. Sus primeras muestras cubistas datan de 1911 y en ellas se aprecia la influencia de Cézanne, aunque pronto derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, con predominio del azul, el verde y el violeta ácido, que culminó con la conquista de la abstracción. En 1912 empleó por primera vez la técnica del collage, franqueando de esta manera la línea divisoria que separa lo real y lo irreal. Destacan en su obra Vaso y damero (1914), El tapiz azul (1925) y Guitarra y partitura de música (1926).
Guitarra y Mandolina
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Los grandes atistas de esta época pintaban formas de la naturaleza utilizando figuras geométricas.Además se mostraban todas las partes de un objeto en un sólo plano.En estas obras no era posible un solo punto de vista.Normalmente los artistas solían representar bodegas, paisajes y retratos.
Se pierde la perspectiva tradicional, se fragmentan la líneas y superficies. Se utilizan los tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones.Los artistas de esta época son
Pablo Picasso: considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).
Las Señoritas de Avignon
Las señoritas de Avignon o Las señoritas de Aviñón es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Época Negra, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.
Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.
Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.
Juan Gris
(José Victoriano González; Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, Francia, 1927) Pintor español. Fue el máximo representante del cubismo sintético. Cursó estudios en la Universidad de Madrid, pero pronto se consagró a la pintura. Sus composiciones están dotadas de gran armonía gracias a una rigurosa metodología en la estructuración de las formas. Se desvinculó de la estética cubista de Braque y de Picasso, coloreando y sombreando objetos puntuales, con lo cual consiguió un ritmo visual elegante y personal. Se trasladó a París en 1906 y se instaló en el Bateau-Lavoir, donde fue vecino de Picasso. Pintó sus primeras acuarelas al mismo tiempo que publicaba ilustraciones humorísticas en distintas revistas. Sus primeras muestras cubistas datan de 1911 y en ellas se aprecia la influencia de Cézanne, aunque pronto derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, con predominio del azul, el verde y el violeta ácido, que culminó con la conquista de la abstracción. En 1912 empleó por primera vez la técnica del collage, franqueando de esta manera la línea divisoria que separa lo real y lo irreal. Destacan en su obra Vaso y damero (1914), El tapiz azul (1925) y Guitarra y partitura de música (1926).
Guitarra y Mandolina
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