CONCLUSIÓN

Desde mi punto de vista, este trabajo fue productivo porque aprendi muchisimo sobre las vanguardias, las corrientes artísticas, los autores representativos de cada una, algunas obras, los colores, lineas, fondo, planos, etc. Además me gustó porque comprendi aquellas películas, chistes, textos que estaban relacionadas a las entradas anteriores. Pude comprender también lo que quieren expresar los autores con las obras figurativas y subjetivas. 

Neoexpresionismo

Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.

Su temática abarca numerosos motivos que van desde la representación del héroe, mitologías nacionales e individuales hasta símbolos de poder de todo tipo. A pesar de ser figurativos no pretenden realizar una reproducción fidedigna de la realidad. Sus figuras son esquemáticas y tratan de seleccionar los rasgos más expresivos.

El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", mediante el grueso empastado de las pinturas al óleo, principalmente.  Mezclan arenas, yeso y paja con la pintura.
 Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.

El pintor Jörg Immendorff es uno de los artistas alemanes contemporáneos de mayor renombre y uno de los más comprometidos políticamente. Ya de joven y animado por su maestro Joseph Beuys, Immendorff comienza a inmiscuirse desde mediados de los años sesenta en el acontecer político de la República Federal Alemana (RFA).

Su logro más famoso es el Café Deutschland
serie, iniciada en 1977 y continuó hasta los años ochenta.
Su discoteca imaginario se encuentra en la frontera este-oeste, una organización independiente
territorio en el teatro burlesco de la política a la guerra fría,
identidad nacional, y la batalla del legado artístico se juega
noche tras noche en todos sus subterfugios y el drama. Este
serie de trabajo tiene su arquitectura inicial de Renato
Guttoso del Café Greco, pero en la pintura después de
pintura cambia el "ángulo de la cámara, el mobiliario es
reorganizado, y la acción se refleja en la perspectiva retorcida
del espectador no tan inocentes.

En este Café a partir de 1984, Immendorff ya ha predicho
la reunificación alemana. A la izquierda del lienzo de Brandenburgo
Puerta, con sus cuatro caballos apocalípticos, cae a través de la
bar tomando con él la capa de hielo cubriendo el país.
A la derecha, un impotente, a largo enterrado Hitler mira hacia el
futuro desde una perspectiva borrachín, al tiempo que se llevó por
garras venenosas. Como de costumbre, el artista observa el
escena se despliegan desde su mesa de ringside cómodo.

Hiperrealismo

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.

 Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el hiperrealismo que es menos radical.

 Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes.

 Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

En la década de los 1920, los pintores trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas. Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

No hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

Otras características del hiperrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el hiperrealismo del realismo tradicional.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales. En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.

Close, Fanny (fingerpainting) 1985:

Es tal el realismo de las pinturas, que en un primer momento crees estar ante fotografías de más de dos metros. Tienes que acercarte muchísimo a ellas para darte cuenta de que no lo son. He de decir también que empeoran bastante al verlas en tamaño reducido, y no entiendo muy bien por qué como fotógrafo realiza principalmente fotografías en blanco y negro de primeros planos del rostro, al igual que en sus cuadros, Para realizar sus increíbles retratos coloca una malla sobre la foto y el lienzo. Sobre la malla realiza una cuadrícula y va pintando recuadro a recuadro, utiliza un pulverizador con pintura muy diluida, y en algunas ocasiones sus dedos.

Pop Art

El arte pop es un movimiento artístico que surgió a mediados de 1950 en Gran Bretaña y en la década de 1950 en los Estados Unidos. El término ``'' Arte Pop fue utilizado por primera vez por el crítico Lawrence Alloway Inglés en una edición de 1958 de Architectural Digest para describir esas pinturas que celebran después de la guerra el consumismo, el desafiar a la psicología del expresionismo abstracto, y adorar al dios del materialismo.  El arte pop presenta un desafío a las tradiciones de las bellas artes mediante la inclusión de las imágenes de la cultura popular como la publicidad, noticias, etc . En el arte pop, el material visual es a veces fuera de su entorno conocido, aisladas, y / o en combinación con material no relacionado. El concepto de arte pop se refiere no tanto al arte en sí mismo en cuanto a las actitudes que llevaron a la misma.

El arte pop emplea los aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y objetos cotidianos culturales. El arte pop tiene como objetivo emplear imágenes populares, a través del uso de la ironía.
También se asocia con el uso de técnicas de reproducción o de la prestación.

 El arte pop y el minimalismo son considerados como los movimientos artísticos que preceden el arte postmoderno, o son algunos de los primeros ejemplos del arte postmoderno sí mismos.

El arte pop toma a menudo como su imaginación lo que está actualmente en uso en la publicidad. [5] El etiquetado de productos y logotipos de ocupar un lugar destacado en las imágenes elegidas por artistas pop.
Latas de Sopa Campbell de la etiquetas, de Andy Warhol. Incluso el etiquetado de la caja de envío contiene artículos al por menor se ha utilizado como materia en el arte pop, por ejemplo, en Campbell de Warhol Caja de Jugo de
Tomate 1964, (foto de abajo), o de sus esculturas de caja de jabón Brillo

Andy Warhol, Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los 50 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.

Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.

 Campbell's Tomato Juice Box, 1964, El personaje más mediático y conocido de los artistas pop comenzó realizando trabajos publicitarios, aunque pronto con sus series sobre imágenes de objetos de consumo -Coca-Cola, sopas Campbell- , imágenes de iconos del cine o la vida social -Marilyn Monroe, Elvis Presley o Jaqueline Kennedy-; así como imágenes que describían tumultos raciales o accidentes, le hicieron destacar en esta corriente artística. Después vino la trascendencia mediática que le catapultó hasta llegar a ser un icono más, tan famoso desde el punto de vista sociológico como artístico.

Arte óptico

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación

Los principales iniciadores de esta tendencia fueron: Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

Posteriormente han destacado otros artistas como: Yaacov Agam (Israel, 1928) , Carlos Cruz-Diez (Venezuela, 1923), Piero Dorazio (Italia, 1927 - 2005), Julio Le Parc (Argentina, 1928), Youri Messen-Jaschin (Suiza, 1941), Omar Rayo (Colombia, 1928 - 2010), Bridget Riley (Inglaterra, 1931), Eusebio Sempere (España, 1923 -1985), Jesús Soto (Venezuela, 1923 -2005).

Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.

"Arte Óptico autorreferente 005W":La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz.
Con estos dos elementos el autor representa estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.

Subrrealismo

Surrealismo comenzó en el siglo XV y XVI, pero su momento cúlmine fue en siglo XX, no solo afecto en lo artístico sino también en lo filosófico. La segunda guerra mundial tuvo un papel muy importante ya que muchos otros artistas, debieron marchase a los EE. UU. Allí surgió una asociación de pintores surrealistas alemanes y franceses.

Los artistas de ésta época plasmaban en sus obras el subconsciente, lo que está mas allá de la razón, escenas extraordinarias en medio de un fondo vacío. Lo que querían representar era sus emociones, pero desde un razonamiento no lógico. Varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración.
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage al ensamblaje de objetos incongruentes. Se utilizó el frottage, dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo.

Algunos de los artistas más conocidos son:

Salvador Dali:
Genial artista catalán, uno de los máximos exponentes  del surrealismo que desarrolló en multitud de facetas: pintura, grabado,  orfebrería y decoración. Como buen “catalán universal” difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal.
Su obra se ha relacionado con frecuencia con el subconsciente y el psicoanálisis ya que acostumbraba a plasmar en ella sus obsesiones.

La persistencia de la memoria

En La persistencia de la memoria los relojes se deshacen, quizá hastiados del tiempo, o de sí mismos, y lo hacen sobre la rama muerta de un árbol, sobre una cabeza disparatada que finge dormir, sobre una mesa que se cuadra obediente hacia al punto de fuga. Cada reloj marca una hora, como si la manía circular de cada uno de ellos mantuviera una postura distinta acerca de la hora exacta.Si el tiempo es curvo, que lo sean también los relojes: liberémoslos de su cuadratura circular.
Pero llegó más allá, hay otro reloj en el cuadro. Uno de mano de los que ya no necesitamos porque la hora la llevamos en el teléfono móvil. Y está cerrado, y una reunión de hormigas se reparten el espacio que esperamos que ocupen las manecillas y los números. No, este reloj no es para marcar la hora, es un reloj de lo pequeño, de lo muy pequeño, un reloj cuántico en el que el tic tac habitual ha sido sustituido por los traqueteos de las patas de las hormigas sobre el metal: seis patas por hormiga, seis segundos, entonces, a la vez, múltiples posibilidades en una sola tirada. Y ahí andan, en efecto, los físicos cuánticos intentando comprender cómo es posible que un electrón esté en dos sitios al mismo tiempo o se cuele por varios agujeros simultáneamente. Y no encontrarán la respuesta, de ningún modo, hasta que se tomen el día libre y se den una vuelta por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se encuentra expuesta La persistencia de la memoria, como un catecismo mudo de la modernidad, callado, a la espera de que las grandes mentes se detengan a comprenderlo.
Los dos tiempos, las dos clases de tiempo, el de lo muy grande y el de lo muy pequeño, en un mismo cuadro. Y constituyendo un tiempo único, personalísimo, hasta el punto de que el título del cuadro no alude el propio tiempo, sino al que nos importa a cada uno: el de la memoria. Un tiempo sentimental, por lo tanto, y desgastado, y comestible, y emocionado.
 

Giuseppe Arcimboldo

Vertumnus

Dadaísmo

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.^[][]

Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta.

Las explicaciones de los mismos dadaístas varían tanto que es imposible señalar una y llamarla correcta.

Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.^[]

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una

ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

En Nueva York se encontraban artistas tan importantes del movimiento como Marcel Duchamp, Francis Picabia o Man Ray.

Duchamp destacó por coger elementos fabricados en serie y presentarlos como sus obras, así en la Exposición del Salón de los Independientes expuso un urinario al que tituló “Fuente“.

Fuente es la obra más conocida del artista francés Marcel Duchamp. Pertenece al estilo dadá dentro de las vanguardias experimentales de principios del x.XX. Fue creada en el 1917.
La obra consiste en un simple urinario masculino, de color blanco y con una inscripción en tinta negra corrida en la parte inferior derecha delantera.
El estilo dadá consiste en elevar a arte objetos ajenos al arte, estas obras son llamadas ready-mades. Esta práctica fue inventada con la intención de crear el "antiarte", rebelándose así en contra de las formas artísticas tradicionales. La Fuente fue la primera obra conceptual de la hª.
El original de la obra se perdió, y a mediados del s.XX, Duchamp realizó varias versiones más que actualmente se encuentran repartidas en varios museos. Recientemente, una de las versiones fue martilleada por un visitante del Centro Georges Pompidou de París durante el trancurso de la exposición sobre dadá que realizó el museo el pasado verano.
La Fuente fue elegida la obra más influyente del s.XX, por delante de Las Señoritas de Avíñón de Picasso (foto), o Marilyn de Warhol (foto).

Man Ray, por su parte, destacó por su trabajo fotográfico en el que experimentó con todas las posibilidades técnicas para crear nuevas formas, así bautizó a estas obras con su propio nombre, “rayografías”.

The Misunderstood  (1938). Man Ray Estate

El movimiento alemán fue muy activo tanto en el campo intelectual como en el plástico. Precisamente fue allí donde se inventó el “fotomontaje” la idea partía de la necesidad de un cambio radical en el arte para que no se perdiera la relación con la sociedad de la época, cosa que no habían conseguido, según ellos, ninguno de los movimientos modernos.

Hausmann se atribuye a sí mismo su invención en 1918 pero lo cierto es que Heartfield ya en 1914 utilizó esta técnica para burlar la censura en el frente bélico mediante postales compuestas de recortes de periódicos y revistas. En cualquier caso la importancia está en la invención de una nueva técnica artística.

ABCD (Self-portrait) A photomontage from 1923–24

Pero fue Max Ernst el que llevó al fotomontaje a su máximo esplendor combinando los principios dadaístas con la metafísica de De Chirico.

Picabia, Aragon o Breton entre otros, formaron en 1917 el grupo Dadá de París pero fue en 1919 con la llegada de Tzara a la capital cuando comenzaron a desarrollarse las actividades. Lo que querían reflejar era el disgusto y la desesperación que había traído la guerra y la posguerra. El movimiento duró poco tiempo pero cabe destacar la Gioconda a la que Duchamp incluyó unos bigotes.