Arte Abstracto

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la segunda guerra mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, dotado de sus propias significados, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
 En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.
La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad mucho más que los más radicales provocadores, y es que no tenía referentes históricos, era algo totalmente nuevo. Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.
Vale recordar que esa cierta distancia que la abstracción tiene de la realidad no es una regla; ella muchas veces puede ser casi imperceptible, ligera o completa. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.

El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

Una de sus obras: Composición VIII,

Se considera al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como el creador de la abstracción. En 1909 cuando formaba parte del grupo expresionista alemán Der blaue Reiter (El Jinete Azul), había pintado sus Improvisaciones, para expresar por medio del color sus sentimientos y emociones, a la manera de composiciones musicales. Al ver una de ellas al revés, le impactó su belleza y surgió su primera acuarela abstracta en 1910 (Sin título).
Kandinsky expuso sus ideas en De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, donde sostiene que todo arte auténtico es la expresión exterior de una «necesidad interior» mediante composiciones de colores y líneas. En sus telas buscaba lo esencial, sin preocuparse del tema.
Regresó a Rusia en 1914 y al estallar la Revolución de 1917 colaboró con el nuevo régimen en el intento de renovación del arte. Pero tras enfrentarse a los constructivistas, regresó a Alemania en 1921, donde fue profesor en la Bauhaus. En esta etapa publica su libro Punto y línea sobre el plano y la geometrización impregna su obra (Composición VIII). En 1933 al clausurar el nazismo la escuela, marchará a París donde vivió hasta su muerte.

James McNeill Whistler: (10 julio 1834 hasta 17 julio 1903) era un americano de origen, con sede en Londres artista. Aversión al sentimentalismo y la alusión moral, en la pintura, era un destacado defensor del credo "arte por el arte". Su firma famosa por sus pinturas fue en la forma de una mariposa estilizada que posee un aguijón largo de una cola. El símbolo era apto, ya que combina los dos aspectos de su personalidad-su arte se caracteriza por una sutil delicadeza, mientras que su persona pública era combativa. Encontrar un paralelismo entre la pintura y la música, de Whistler titulado muchas de sus pinturas "arreglos", "armonías", y "nocturnos", haciendo hincapié en la primacía de la armonía tonal.  Su pintura más famosa es la madre de la marmota (1871), el venerado ya menudo parodiado retrato de la maternidad. Whistler influido en el mundo del arte y la cultura más amplia de su tiempo con sus teorías artísticas y sus amistades con los principales artistas y escritores.

Nocturne in Black and gold:

Podemos decir que la primera obra considerada abstracta fue Nocturne in Black and Gold, donde dio gran énfasis a la sensación visual y no a la representación de objetos.

Futurismo

Esta corriente artística fue influenciada por la Patafísica de Alfed Jarry y Remy de Gourmont y por procedimientos literarios que corompieron con lo tradicional.El término futurismo fue instaurado el 20 de Febrero de 1909 con una publicación en el diario La Figaro de Paris, escrito por Marinetti.
Intentando crear algo nuevo, acorde a las nuevas necesidades y a la nueva época, surgió el futurismo. Trata de expresar la guerra, la energía, la deshumanización, la violencia y el peligro.Los artistas quieren representar el movimiento y la fuerza interma de las cosas. Pintaban perros, caballos o figuras humanas con varias cabezas.
Realizaban vibrantes composiciones de colores, las cuales suponían producir una sensación de espacio, tiempo y sonido. Se utilizaba la técnica divicionista la cual consiste en hacer una serie en la zona de la obra donde se quiera representar el movimiento. Además se plasmaban las línesa con fuerza e in tencidad y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Algunos de los artistas mas epresentaativos son:

Luigi Russolo

                                  Piano Player

Carlos Carrá:.Carrà nació en Quargnento, cerca de Alessandria (Piamonte). A la edad de 12 años se fue de casa para trabajar como decorador mural.
En 1899-1900, Carrà era en los pabellones de París de decoración en la Exposición Universal, donde se familiarizó con el arte francés contemporáneo. A continuación, pasó unos meses en Londres, en contacto con exiliados anarquistas italianos, y regresó a Milán en 1901. En 1906, se matriculó en la Academia de Brera (Accademia di Brera) en la ciudad, y estudió con Cesare Tallone. En 1910 firmó, junto con Umberto Boccioni, Russolo y Luigi Filippo Tommaso Marinetti el Manifiesto de los pintores futuristas, y comenzó una fase de la pintura que se convirtió en la mayor parte de su popular e influyente.

 Funeral for the Anarchist Galli

Sus obras, sin dejar de utilizar algunos conceptos futuristas, comenzaron a tratar de forma más clara con la forma y la quietud, en lugar de movimiento y sensación. Carrà pronto comenzó la creación de naturalezas muertas en un estilo que él, junto con Giorgio de Chirico, llamada "pintura metafísica". A lo largo de los años 1920 y 1930, la fase metafísica dio paso a un estilo sombrío similar a la de Masaccio. Un ejemplo de este periodo es el 1928 por la mañana por el mar.

Él es mejor conocido por su trabajo futurista de 1911, el funeral del anarquista Galli. Carrà era de hecho un anarquista como un hombre joven, pero, junto con muchos otros futuristas, más tarde tenían opiniones políticas más reaccionarias, llegando a ser ultra-nacionalista e irredentistas antes y durante la guerra, al igual que el fascismo después de 1918 (en la década de 1930, Carrà firmado un manifiesto en el que pidió el apoyo de la ideología del Estado a través del arte). el grupo se unió a Strapaese, fundada por Giorgio Morandi, estuvo fuertemente influenciado por el fascismo y respondió a las directrices neo-clásicos que habían sido establecidos por el régimen después de 1937  (pero se oponía a la unidad ideológica hacia el centralismo fuerte). Murió en Milán en 1966.

Cubismo

El cubismo comenzó a principios del siglo XX, fue desarrollado entre 1907 y 1914. Todo comenzó con el famos cuadro de Pablo Picasso "Las Señoritas de Avignon" en Frencia, la ciudad de Paris.

Los grandes atistas de esta época pintaban formas de la naturaleza utilizando figuras geométricas.Además se mostraban todas las partes de un objeto en un sólo plano.En estas obras no era posible un solo punto de vista.Normalmente los artistas solían representar bodegas, paisajes y retratos.

Se pierde la perspectiva tradicional, se fragmentan la líneas y superficies. Se utilizan los tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones.
Los artistas de esta época son
Pablo Picasso: considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Las Señoritas de Avignon

Las señoritas de Avignon o Las señoritas de Aviñón es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.Este cuadro, que marcó el comienzo de su Época Negra, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.
Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.
Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.



Juan Gris
(José Victoriano González; Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, Francia, 1927) Pintor español. Fue el máximo representante del cubismo sintético. Cursó estudios en la Universidad de Madrid, pero pronto se consagró a la pintura. Sus composiciones están dotadas de gran armonía gracias a una rigurosa metodología en la estructuración de las formas. Se desvinculó de la estética cubista de Braque y de Picasso, coloreando y sombreando objetos puntuales, con lo cual consiguió un ritmo visual elegante y personal. Se trasladó a París en 1906 y se instaló en el Bateau-Lavoir, donde fue vecino de Picasso. Pintó sus primeras acuarelas al mismo tiempo que publicaba ilustraciones humorísticas en distintas revistas. Sus primeras muestras cubistas datan de 1911 y en ellas se aprecia la influencia de Cézanne, aunque pronto derivó hacia un estilo geométrico muy colorista, con predominio del azul, el verde y el violeta ácido, que culminó con la conquista de la abstracción. En 1912 empleó por primera vez la técnica del collage, franqueando de esta manera la línea divisoria que separa lo real y lo irreal. Destacan en su obra Vaso y damero (1914), El tapiz azul (1925) y Guitarra y partitura de música (1926).
Guitarra y Mandolina

Fauvismo

Éste movimiento se  desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.

El Fauvismo careció de manifiesto. Cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. Buscan realzar el valor del color en sí mismo. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos. Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

Rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sinterización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad.

André Derain: nació en Chatou, cerca de París en 1880. Asistió a la escuela de arte y en 1900, estableció un estudio con Maurice deVlaminck. Él trabajó con Henri Matisse en Collioure en 1905, y participó en el Salón de 1905 dâ € ™ Otoño con Matisse, Vlaminck, Braque y la exposición en la que se denominó a este grupo como los fauves, o animales salvajes. Derain se trasladó a la sección de Montmartre de París en 1907 donde conoció a Picasso. Junto con Vlaminck, Derain fue uno de los primeros artistas que recogen el arte tribal de África, que fue muy influyente para muchos de los artistas de principios del siglo 20. Tuvo su primera exposición individual en París en 1916, y recibió muchos honores y exposiciones hasta su muerte en 1954.

 El puente de Westminster, 1906

Henri Matisse (3 de diciembre 1868 a 3 de noviembre 1954)fue un artista francés, conocido por su uso del color y su fluido y dibujo original. Era un dibujante, grabador y escultor, pero es conocido principalmente como pintor. Matisse comúnmente considerado, junto con otros grandes artistas, como uno de los tres artistas que ayudaron a definir los acontecimientos revolucionarios en las artes plásticas en las primeras décadas del s XX, responsable de importantes avances en la pintura y la escultura. A pesar de que se marcó principalmente fauve, por la década de 1920 fue aclamado cada vez más como un defensor de la tradición clácica de la pintura francesa. Su dominio del lenguaje expresivo del color y el dibujo, aparece en un cuerpo de trabajo que marca más de medio siglo, le valió el reconocimiento como una figura destacada del arte moderno.

El Postre: Armonía en rojo es una pintura del artista francés Henri Matisse, a partir de 1908. Es considerado por algunos críticos como la obra maestra de Matisse. Esta pintura fauvista sigue el ejemplo dado por el impresionismo con la falta total de un punto focal central.
La pintura fue ordenado como "Armonía en azul", pero Matisse no estaba satisfecho con el resultado, y así lo pintó de nuevo con su rojo preferido.
Se encuentra en la colección permanente del Museo del Hermitage.

Neoimpresionismo

En 1884 ocurrió un acontecimiento importante para el mundo del arte con repercusiones para el futuro: se creó la Sociedad de Artistas Independientes. Era un organismo permanente que admitía a todos los artistas sin discriminación. Las reuniones en las que se gestó esta Sociedad se celebraron en el café Marengo, y en ellas se conocieron Seurat y Signac.

Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).

Representa una plasmación más mediata que la copia de la naturaleza. Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada, puesto que no les sirve como medio expresivo del modelado, del sentimiento o de la imitación de la forma de un objeto.

Las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores.

Las características principales del neoimpresionismo son:
- Preocupación por el volumen.
- Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
- Preocupación por el orden y la claridad.
- Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
- Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
- Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla optica.
- Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).

     Georges Seurat (1859-1891) es quien antes plasma en una obra de arte la nueva técnica. Se caracteriza por la fragmentación de la línea en puntos de color. Sus puntos son extremadamente pequeños. Sus figuras son, básicamente, geométricas. Entre sus obras destacan Una tarde de domingo en la Grande Jatte, Un baño en Asnières y El circo, obra en la que trata de introducir movimiento, aunque resulta muy artificiosa.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886.
Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simples de madera azul. de esta forma se lo exhibe aún en el malvado Instituto de Arte de Chicago.

     Paul Signac (1863-1935) es la otra gran figura del divisionismo. Es el gran teórico del puntillismo, escribió De Delacroix al neoimpresionismo, donde expone sus ideas. En sus obras pretende potenciar al máximo la luz, el color y la armonía. La fusión óptica cromática la debe de hacer el espectador. Utiliza pigmentos y colores puros. Da mucha importancia a la composición del cuadro. Entre sus obras destacan El puerto de Saint-Tropez, Mujer ante el espejo, Muchacha empolvándose y Vista del puerto de Marsella.
    

 Mujer ante el espejo

Impresionismo

El Impresionismo nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX. El preludio se encuentra en 1863, con la creación del Salon des Refusés, a modo de contestación de los Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado y carente de originalidad. El Impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres.

Los impresionistas eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, además eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas.

Para lograrlo se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Utilizaron los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas

 Los representantes principales del movimiento fueron:

Edouard Manet considerado el primer Impresionista, aseguraba que utilizando colores fuertes y contrastados, se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores.

Le Déjeuner sur l'Herbe

Claude Monet, (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista.

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Impresión, sol naciente

Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua. Un crítico de arte descubrió un símbolo semejante a una esvaltica en los reflejos del agua. El autor no mencionó nada sobre ese asunto, pero ahí quedo siempre la intriga si esa esvaltica era intencionada o idealizada. Es simplemente uno de muchos símbolos o enigmas ocultos en los cuadros. Recordemos que en esta época del Movimiento Impresionista se empezaron a esconder símbolos en los cuadros, ya sean por motivos políticos, económicos o por su zona geográfica.

Realismo

El realismo se comienza en la segunda mitad del siglo XIX, alguno de los hechos históricos que influenciaron a los artistas de esa época son: la revolución industrial, las revoluciones políticas y las revoluciones burguesas.

Los artistas de esta época pintaban aspectos de la vida cotidianas tratado de un modo objetivo sin idealización ni pintoresquismo. Lo novedoso fue los temas, la manera en que tienen de afrontar la realidad.

La técnica es tradicional, esto hace referencia a que las obras no tenían luces, sombras, figuras ni colores oscuros.

Algunos de los artistas más representativos son

Tehodoro Rousseau

      Followers of Tehodoro

Jean-Baptiste Camille Corot
 Jean-Baptiste Camille Corot nació en París, en una casa desde la que se tenía una perspectiva del palacio de las Tullerías, el Sena y El Louvre. De familia acaudalada, Corot recibió una educación burguesa y realizó sus estudios secundarios en la ciudad gótica y normanda de Ruan, entre 1807 y 1812, tales estudios le marcaron definitivamente. Allí vivía con un amigo llamado Sennegon, lector de Jean-Jacques Rousseau y próximo a las ideas ilustradas, de quien adquirió el gusto por la naturaleza. Continuó su formación en Poissy y al concluirla, manifiesta su deseo de ser pintor, pero su padre se opuso a ello y lo empleó como aprendiz en el negocio familiar. Camille, sin embargo, dedicó casi toda su jornada laboral a dibujar, por lo que la familia terminó por aceptar su vocación y financió su formación artística.

      El Coliseo visto desde los jardines Farnesio












El Coliseo visto desde los jardines Farnesio junto con otros cuadros fueron elegidos por el propio Cort para reprecentar su obra en el museo del Louvre después de su muerte. Para él el viaje a Roma había significado el descubrimiento de la lunimosidad de los lugares del Mediterraneo, en lugar de las huellas de la cultura clásica antigua. Los dos puntos de vista, pintados en el aire libre en los jardines de Farnesio en la colina Palatina, no son tanto los "retratos" de los monumentos, como las investigaciones de los volúmenes y planos de colores, y los efectos de los rayos del sol sobre las flechas, cubiertas y el follaje. Durante su estancia en Roma, Corot fue un gran núneros de experimentos técnicos, con la esperanza de hacer en la pintura lo que estaba viendo.